Aile Louis XII

Musée des Beaux-Arts

Vierge à l'enfant

par jean boucher dit boucher de bourges

Huile sur bois, 1627

La 1er salle est consacrée à deux thèmes, l'art de Bloissous le règne de Louis XII et la vierge à l'enfant.

Le thème de la vierge à l'enfant est traité selon de nombreuses variantes au fil des siecles: le côté majestueuxet hiératique est abandonné peu à peu pour un ton plus intimiste, et la relation de tendresse entre la mère et son fils est mise en avant.

Dans le Polyptique Crespi, du peintre italien Marco d'Oggiono (vers 1500-1510), la Vierge à l'Enfant du panneau central rappelle la Vierge au rocher de Léonard de Vinci.

Les donateurs et leurs Saints patrons l'encadrent dans une composition qui provient deMilan.

Valentine de Milanpleurant son époux, Louis d'Orléans

par Marie-Philippe Coupin de la Couperie, huile sur toile 1822

Dans une grande toile de Marie-philippe Coupin de la Couperie, retrouvée en lambeaux aprèsles bombardements de 1940, Valentine Visconti pleur son époux assassiné, Louis d'Orléans. Ce goût pour l'histoire anecdotique et la représentation des sentiments sont typique du XIX e siècle et "des peintres troubadours".

Ile Saint Louis 1906

L'eau forte représentant L'île Saint Louis serait la première gravure réalisée par Sonia Delaunay. On peut sans doute considérer le dessin au crayon comme une étude non pas strictement préparatoire mais préalable à la gravure. Cette dernière reprend, en l'inversant, le point de vue sur la pointe ouest de l'île Saint Louis et le pont qui la relie de la Cité. Cependant le crayon, qui rappelle les modèles impressionnistes par sa vue panoramique en surplomb et les dessins parisiens de Bonnard par sa technique fondue, a une composition plus large et plus lumineuse que la gravure, ressérée sur l'étrave du quai et noircie par une trame de tailles très dense. L'artiste assura elle-même la morsure et le tirage des cent quatre-vingt-une épreuves répertoriées.

La bibliothèque nationale de France est riche d'une épreuve imprimée à l'encre rose et de cinq eaux-fortes, noir, rose, vert tilleul et jaune, conservées dans le fonds Sonia et Charles Delaunay au Département des estampes.

La mer ou La mer en Bretagne 1905

En mars 1906, Robert Delaunay présente sept peintures au XXIIè salon des indépendants. Elles sont toutes réalisées pendant son troisième séjour en Bretagne, à Penmarch, au cours de l'été 1905. Certaines représentent des scènes locales à la manière de l'école de Pont-aven. Deux paysages marins sont plus nettement inspirés de l'oeuvre de Monet et de l'art japonais, lequel interesse Delaunay depuis qu'il a reçu en 1900, en récompense de fin d'année au lycée, l'ouvrage de Louis Gonse sur l'art japonais.

La mer est un de ces paysages marins. Delaunay y adopte une vue plongeante vertigineuse. Il se débarrasse de toute anecdote et se concentre sur le spectacle des élèments déchainés qui, dans leur mouvement tourbillonne,annoncent l'astraction des formes circulaires de 1913.

Les Bords de la Yèvre ou Paysage de la Rongère 1903

Cette peinture est la plus ancienne de la donation Delaunay. Elle est historiquement importante car c'est l'une des premières à être montrée par l'artiste dans une exposition publique. Delaunay présente en effet cette oeuvre avec quatre autres paysages du Berry et un paysage Breton en mars 1904, à l'occasion de sa première participation au salon des indépendants. En se concentrant sur les effets de lumière dans les feuillages et sur la rivière, Delaunay démontre qu'il a déjà assimilé pour son propre usage les principales leçons de l'impressionnisme.

Jeune femme au chaton, 1947

De retour à Londres en 1947, Freud fait la connaissance de Kitty Garman, qui pose pour plusieurs des tableaux les plus mémorables de ses débuts. Elle épouse Freud au printemps 1948; en juillet, ils ont une fille, Annie. En 1947/48, Freud réalise cinq portraits de Kitty et une eaux forte, "malade à Paris", en 1948. Le peintre donne la priorité à une distribution très minutieuse, très cohérente, de l'information sur toute la surface de la toile. Il en résulte une tension de la surface dont les grands yeux froids en amande de Kitty constituent une sorte de tautologie qui l'amplifie. Que son regard soit posé sur le spectacteur ou qu'il se perde ailleurs, il est impossible de ne pas voir la conscience aigüe d'être observé qu'elle exprime. Kitty y est proche et plus menaçante que dans les autres tableaux. L'attention que Freud porte de manière homogène au cheveux épars, à la main, aux yeux et à la manche, ainsi qu'au chaton, contredit l'extrême implication émotionnelle et suscite une tension autonome. 

Kitty Garman, regarde de côté, mais le chaton qu'elle étreint dans sa main droite nous regarde droit dans les yeux et crée une troublante géométrie des regards. La présence de Kitty possède l'allure magnifiquement impérieuse d'une reine égyptienne, tout en paraissant intensément vulnérable.

Jeune femme au chien blanc,1951/52

La jeune femme, c'est Kitty, et l'animal est l'un des deux chiens du couple. Freud avait commencé à peindre, un chien noir; mais celui-ci fut renversé par une voiture et le peintre dut le remplacer par un chien blanc. Il s'agit d'un des plus grands tableaux de Freud, bien qu'il soit difficile d'en décrire ce qui le rend merveilleux. Deux êtres sensibles nous regardent fixement. La jeune femme, en robe de chambre, montre un sein qui pend de son buste, telle une troisième présence animale. Sa main droite soutient délicatement l'autre sein, recouvert de la robe de chambre. Paraissant plus à l'aise, le chien n'en est pas moins attentif. Là encore, il y a une grande tension entre le défi et soumission- défi des regards discordants, soumission de la position assise. Dans sa peinture, Freud ne cherche pas délibérément les gens quelconques afin d'affirmer quelques propos sur l'ordinaire; il ne cherche pas plus les personnalités remarquables. ses sujets se trouvent être ce qu'ils sont. Les raisons pour lesquelles il décide de peindre telle ou telle personne relèvent entièrement de l'impulsion, de son impulsion. C'est dans cette oeuvre est, soutient-il, " autobiographique ".

Elle est totalement liée à l'espoir, au souvenir, à la sensualité, à l'engagement.

Tête d'homme fort,1975

Le menton en avant, la tête de l'homme semble sortir du plan du tableau et entrer dans l'espace du spectateur C'est une présentation sans détour. L'absence de symétrie et le cartilage nasal, écrasé et déformé, sont tout aussi frappants.

"Tête d'homme fort" offre un contraste saisissant. Le modèle, un homme d'affaires au cou large, au teint rose et aux traits prononcés, est le sujet de plusieurs des portraits les plus forts de cette période.

Dans sa monographie publiée en 1988, Robert Hughes qualifie Freud de " plus grand peintre réaliste vivant". L'étiquette réaliste a la vertu de situer Freud dans une tradition qui va de Rembrandt et Velasquez à Chardin, Constable, corot, Courbet et Degas, autant de peintre qu'il vénère. Naturellement , dans la discussion courante, le terme "réalisme" sert généralement à exprimer un intérêt pour les faits empiriques, y compris ceux que l'on peut considérer comme désagréables ou destabilisants. Philosophiquement, il sous-entend l'acceptation honnête des limites, qui va de pair avec la défiance à l'égard du sentiment faux et de l'idée un peu trop noble. 

Portrait de Sa Majesté la reine,2000/20001

Freud ne s'embarrasse en rien de cet aspect du réalisme du 19 è siècle. Il peint, en effet, des personnes issues de tous les horizons de la société, la reine comme des bookmakers, d'autres artistes et des repris de justice. Mais ces choix n'expriment aucune revendication, sinon celle du désir personnel. Son intérêt n'est guidé ni par le politique ni même par le social, mais uniquement par les posibilités artistiques et humaines que lui offre la présence particulière de chacun de ses sujets.

L'une des grandes contributions de Freud à la notion même de protrait est , de l'avoir arrachée au présuposé du savoir, de l'illustration des traits de caractère ou du fait de "pénétrer le tempérament". Son oeuvre consiste, au contraire, en différents niveaux d'affinité. "Lorsqu'on trouve quelque chose d'émouvant, le désir d'en savoir plus diminue", a-t-il dit. " Un peu comme lorsqu'on est amoureux de quelqu'un...."

Bella, 1986/87

Lucian Freud est le peintre du corps au repos. Il est, comme il aime à le rappeler, biologiste. Il peint, dessine et grave des têtes et des corps, appartenant surtout au genre humain, mais aussi fréquemment au règne animal. Ce qui l'intéresse, c'est le souci de vérité. Mais il confère à cet objectif apparemment simple une sensibilité extraordinaire à l'egard de ce que signifie occuper un corps: la sensation, l'émotion, l'intelligence, l'épanouissement, la dissipation inévitable. Il refuse de considérer tous ces aspects en termes généraux. Au contraire, il recherche à établir des vérités très spécifiques sur ce qu'est occuper tel corps en telle situation, au cours de telle période. 

Depuis plusieurs décennies, le cadre est délibérément limité: c'est l'atelier du peintre. " Mon travail est purement autobiographique", affirme Freud. " il s'agit de moi et de ce qui m'entoure. C'est une tentative d'enregistrement. Je travaille à partir de personnes qui m'intéressent, auxquelles je suis attaché je pense, à l'intérieur des pièces où je vis et que je connais".

Jeune femme en chemise de nuit à rayures,1983-1985

Les limites sont rares quant à la gamme des corps ou à la nature de l'intimité auxquelles Freud réagit volontiers et même avec avidité. La seule condition préalable est l'intérêt que porte le peintre à la personne représentée. Dans la plupart des cas, plus l'intérêt est marqué, mieux c'est. " Je peint des gens non pas à cause de ce qu'ils sont, ni tout à fait en dépit de ce qu'ils sont, mais selon la manière dont ils sont."

Jardin, Notting Hill Gate, 1997

Lucian Freud

Le 8 Décembre 1922, Lucian Freud naît à Berlin de parents Juifs. Son père, Ernst Freud, est architecte. Il est le fils cadet de Sidmund Freud, père de la psychanalyse. Sa mère, Lucie, est la fille d'un négociant en céréales. Freud et sa famille s'installe en Grande-Bretagne. Ce sont des émigrés volontaires et non des réfugiés. Lucian est scolarisé à Darlington Hall dans le Devon, à Dane Court et à Bryanston dans le Dorset. En 1939, Freud suit à Londres les cours de l'école centrale de l'art de l'artisanat, puis ceux de l'école de peinture et de dessin d'East Anglia à Dedham, dirigée par Cedric Morris et Arthur Lett-Haines. Il obtient la nationalité britanique. Son grand-père Sigmund Freud meurt.

Les tableaux et eaux-fortes de son jardin constituent une grande partie de l'oeuvre de Freud, notamment en raison de sa passion pour Constable. A propos de cette oeuvre, Freud s'explique: " Au tout début, je pensais qu'il y aurait plus de zones sombres dans l'ombre, mais j'ai compris que je cherchais en y mettant comme je le fais presque toujours toutes les informations que je pouvais".

John Constable

Etude d'un tronc d' orme, 1821 

La nouvelle statue de Louis XII

Le 26 juillet 1858 est installée la statue equestre de Louis XII sculptée par Charles Seurre pour remplacer l'original détruit à la révolution.

La mort du sculpteur , survenue le 10 janvier précédent, est à l'origine d'une légende locale qui veut que l'artiste se soit suicidé pour s'être trompé dans sa représentation de l'allure du cheval; en réalité, le cheval lève les deux jambes du même côté car il va l'ambre,allure choisie pour les rois car elle offre au cavalier une grande stabilité.

Porc épic, emblème de Louis XII

Détail de la façade

Mars Dieu de la guerre et de la jeunesse

et Athéna déesse guerrière veille sur les arts , l'artisanat et les sciences.

Château de Blois (Blois) | Structurae

Château de Blois est un château. Le projet est situé à/en Blois, Loir-et-Cher (41), Centre, France, Europe.

https://structurae.info

Les huit salles de la galerie présentent un choix de peintures et de sculptures allant du XVIe au XIXe siècle ainsi qu'un ensemble de tapisseries françaises et flamandes des XVIe et XVIIe siècles.

Aile François 1er, rez de chaussée

 Le rez de chaussée de l'aile François 1er, percé de petites baies sans rapport avec les fenêtres des étages, se composait autrefois de pièces de service, notamment de cuisines dont il reste certains éléments, comme un four à pâtisserie.

Aujourd'hui, les pièces du côté de la facde des Loges sont des salles d'interprétation de l'architecte du bâtiment.

Des reconstitutions virtuelles en trois dimensions, des vidéos explicatives, des maquettes, des reproductions de plans et de dessins d'architecture d'époque présentent les différentes phases de la construction.

Au sortir de ces salles se trouve la fontaine monumentale en marbre du XVI siècles, aux armes de Louis XII et d'Anne de Bretagne.

La vasque ronde, délicatement sculptée,ainsi que plusieurs fragment du bassin octogonal.

Réalise à Tours en 1503, peut être par des artistes italiens, cette fontaine est l'un des très rares et très précieux vestiges de l'art des jardinsà la Renaissance.

On y trouve des reliefs sculptés, descendus des façades à l'occasion des restaurations successives, mais aussi des moulages en plâtre réalisés sur des reliefs existants avant l'intervention des restaurateursafin de conserver la trace de l'état antérieur.

Ces éléments, qui permettent d'approcher des reliefs sculptés habituelllement loin des yeux, illustrent l'histoire de la sculpture monumental du XVe au XIXe siècle, mais sont aussi témoin de la restauration pionnière et exemplaire réalisée au XIX e siècle.

En effet Félix Duban démarre en 1843, avec le château de blois, l'un des premiers chantiers de restauration d'un monument historique , en s'appuyant sur le moulage pour reconstituer une grammaire décorativecomplexe et ambitieuse.

Paul Gauguin

Paysannes Bretonnes 1894

Entre son premier et second et dernier voyage à Tahiti, Gauguin réside en France pendant deux ans, d'aout 1893 à juillet 1895. Ce sont les années d'un déraciné: il n'est pas Tahitien, mais n'est plus Français, sa famille à Copenhague qu'il saluera en 1893 pour la dernière fois, son entourage artistique en Bretagne, sa jeune compagne de ceylan. Les milieux cultivés de Paris, et surtout les symbolistes, l'accueillent, l'écoutent lire des fragments de "Noa Noa", visitent l'atelier de la rue Vercingétorix, qu'il a aménagé avec des objets exotiques brillants et grinçants, des vitraux polychromes. Mais la vie parisienne ne le sastifait pas, et en avril il est à nouveau en Bretagne, d'abord au Pouldu, puis à Pont-Aven, où ses passages précédents ont donné naissance à des recherches qui ont une vie autonome.

L'artiste retrouve en Bretagne sa Polynésie, un monde de sentiments jaillissants, les formes rudimentaires et simplifiées. Ses compositions forcent moins les plans de la perspective, mais éclatent de couleurs vibrantes, qui ont une résonnance interne: les deux paysannes Bretonnes, avec leur costume typique, sont des formes pures combinées, rouges et bleues. Gauguin semble ici expérimenter à nouveau la struture du couple, sur laquelle il avait déjà travaillé à Tahiti.

Paul Sérusier

Solitude 1891-1893

"Solitude", figure d'une jeune paysanne à l'expression méditative, mélancolique, enfermée dans un tableau resserré, sans ciel, uniquement composé de rochers et d'un pré. L'artiste utilise à nouveau la ligne ascendante pour fermer la vision, et en même temps la rendre plus complexe, tandis qu'il décrit la fillette aux mains trop grandes, aux vêtements trop lourds, avec des traits durs et marqués- comme sculptés.

Transparence -Visage vers 1930

Cette feuille, plus épurée que beaucoup d'autres "transparences", offre le témoignage d'un motif récurrent dans la peinture de Picabia vers la fin des années 1920: une figure asexuée, chauve, aux yeux interrogateurs ou songeurs, dont l'origine est peut être à chercher du côté de la nouvelle inspiration classique du peintre- une figure qui, dans le même temps qu'elle stigmatise une nostalgie, vient tempêrer les professions de foi artistiques enthousiastes qui émaillent alors le discours de Picabia.

Deux visages, dont on peine à identifier le genre, se juxtaposent. Pour autant, le profil au nez camus d'une tête aux allures de faune ne rencontre pas le visage plus féminin, au regard baissé. La ligne, sinueuse et ferme, décrit une composition aérée. L'espace incertain, propre aux "transparences", est comme nié dans cette composition par strates. Toutefois, le dessin se révèle être l'exercice où le peintre rend visible l'idée d'un primat de la figure et du décoratif, d'un vocabulaire du fragment qui réduit à néant toute narration claire. Ici, seul le visage est rendu (et non pas observé) tant celui-ci, pour Picabia, n'est pas l'enjeu d'une étude psychologique. C'est peut être une certaine intemporalité que vise l'artiste dans ce jeu de profil perdu et de visage mélancolique:

" Il y a leurs oeuvres qui font partie de l'infini mystérieux. C'est dans ce mystère que mes oeuvres doivent vivre, je leur défends les costumes à la mode, bons pour parader dans les casinos de la peinture".Francis Picabia 

Paul Gauguin

Bonjour Monsieur Gauguin,1889

En bas,à gauche, de son tableau , Gauguin écrit: "Bonjour Monsieur Gauguin". Plus de cent ans après sa formulation, ce titre fait encore sourire. Le titre choisi par Gauguin est une allusion ironique à ce patrimoine de valeurs et à ces nobles citations, mais l'artiste se représente dans un coin perdu de la campagne Bretonne, engoncé dans un manteau trop large et trop lourd, devant une barrière fermée et une paysanne qui ne semble pas pressée de le laisser passer. La scène porte la trace du climat convivial dans lequel la peinture a été conçue, comme décoration de la porte d'entrée de la Buvette de la plage, l'auberge dont Mary Henry était le propriétaire au Pouldu et dont Gauguin était l'hôte. Un tableau ironique qui se teinte pourtant d'un amer sarcasme, tournant même à la dérision si on l'interprète comme une sorte de dénonciation par l'artiste de son isolement, de l'incompréhension qui l'entoure, de sa difficulté à franchir le seuil de l'affirmation de sa propre peinture.

Paul Gauguin

La barrière de Bois 1889

Gauguin travailla d'autres fois sur le thème formel de la barrière en bois, en insérant cette fois une figure de paysanne dans le fond; une vue que reprendra aussi, au même endroit Paul Sérusier , dans "la barrière fleurie". Les  deux artistes, le jeune Paul Sérusier, alors âgé de vingt-cinq ans, et le maître, qui en a presque vingt de plus, élaborent une forme géométrique régulière, déformée- la barrière de guingois. Mais alors que Serusier en fait une scène composée selon la perspective, suggérant un écho visuel entre les barreaux de la clôture et les troncs des arbres alignés le long de la maison dans le fond, Gauguin accentue les lignes courbes de façon chaotique, et pousse le seul arbre du second plan les autres ont disparu de sa représentation vers l'observateur. 

Paul Sérusier

La Barrière Fleurie, Le Pouldu 1889 

Jeunes Bretons au bain

(La Baignade au moulin du bois d'Amour)

Paul Gauguin 1886

Cette baignade de jeunes enfants, près du moulin David, à Pont Aven, montre des surfaces translucides, plutôt rares pour le peintre, dans les corps resplendissants sous le soleil, et dans les éclaboussures de l'eau de la petite cascade qui descend de l'écluse, proche du moulin. Une scène champêtre, d'une jeunesse paresseusement abandonnée aux distractions estivales, qui évoque pourtant l'atmosphère d'une scène mythologique, de jeunes divinités d'un antique âge d'or.

Madeleine au Bois d'Amour ,1888

Emile Bernard

Un portrait de Madeleine, situé cette fois dans le bois d'Amour, près de Pont-Aven, reprend les tonalités bleues et mélancoliques de Gauguin. C'est son frère, Emile Bernard, qui représente la jeune fille, plongée dans une méditation solitaire, étendue dans une clairière. Une scène marquée par les verticales serrées des troncs d'arbres, auquel fait contrepoint le corps étendu de la jeune fille, un corp rigide, osseux, en parfaite fusion avec la nature, comme si elle était elle-même le tronc horizontal d'un arbre.

Benard passe à une transcription poètique, nocturne, symboliste- le bois dans lequel est étendue, presque ensevelie, Madeleine, est un bois sacré, un portrait qui semble presque annoncer le destin tragique de la jeune, qui épousera le peintre Charles Laval et mourra comme lui de tuberculose, six ans après l'exécution du tableau, un an avant la disparition de son mari.

  Shen Yuan

  Salon de coiffure ,2000

 Metal, fibre de chanvre et oeufs

Shen Yuan - AWARE Women artists / Femmes artistes

Diplômée de l'Académie des Beaux-arts du Zhejiang en 1982, Shen Yuan appartient à la génération des avant-gardes les plus radicales des années 1980 et participe en 1989 à l'exposition séminale Chine/Avant-Garde à Pékin. À la suite de la répression de Tian'anmen, elle s'installe à Paris...

quelques oeuvres de cette artiste:

  Sofa ,2009

   La bouche blanche salive

   Gaspiller son crachat

Un peu de poésie avec la théière en fer forgé par Joanna Vasconcelos .

Lisboa : dans l'atelier de Joana Vasconcelos - Follow Art With Me

Situé sur les bords du Tage, dans d'anciens entrepôts des docks de Lisbonne, l'atelier de Joana Vasconcelos se déploie sur deux étages et emploie plus d'une cinquantaine de personnes. Véritable entreprise artistique, ce lieu de création impressionne par l'ampleur et la clarté de ses espaces. On accède à l'atelier par une grande porte ...

Les artistes de cette exposition se saisissent de ce sujet compexe et, par ce biais, remettent la femme au centre d'une histoire de l'art et de l'architecture dont elle  était absente et victime.

Féminisme et performance : VALIE EXPORT - Aktionshose : Genitalpanik

Waltraud Lehner est née en 1940 en Autriche, elle prendra plus tard, en 1967, le pseudonyme de VALIE EXPORT. La photographie ici présentée fait partie d'une série de photos réalisée par Peter Hassmann. Ces photographies servent d'archives à la performance que VALIE EXPORT réalisa dans un cinéma munichois en 1968.

  Valie EXPORT, photographe« The Birth Madonna » - 1976

Vali Export se présente en "sorcière moderne" avec les insignes d'une féminité dont le rôle se limite à l'entretien du foyer.

Madone des naissances d'après la Pièta de Michelange , Vali Export imite la position de la vierge en deuil. Rien ne remplace l'enfant, ses bras semblent esquisser une sorte de position de danse. A la place di socle et des lourdes draperies de la vierge se trouvent une machine à laver le linge, le hublot ouvert de cette dernière tombe négligemment un morceau de textile rouge, simulant l'écoulement du sang menstruel.

Valie Export, le féminisme à bras-le-corps

Figure de proue de l'avant-garde autrichienne depuis les années 70, l'artiste multimédia a fait de son pseudonyme un étendard de ses actions rebelles. Elle bénéficie d'une visibilité accrue en entrant chez Thaddaeus Ropac, qui présente ses travaux dans sa galerie parisienne.

Tête du buste de Gaston d'Orléans en Hercule, sculptée par Alfred Jean Halou.

Château Royal de Blois

D'abord château médiéval, Louis XII transforme la forteresse en palais. Son cousin et successeur François 1er y adjoint une aile de style renaissance où il fera édifier un majestueux escalier. Au XVIIème siècle, Gaston d'Orléans, frère de Louis XIII demande à Mansart d'édifier en fond de cour un corps de logis de style classique.

http://www.tradhistoire.com

 Porc epic symbole de Louis XII, lettre L de Louis, A de Anne de Bretagne

Jeune pêcheur dansant la tarentelle 1833

Du sculpteur Français Francisque Joseph Duret

(1804-1865)

Francisque Joseph Duret remporte le prix de Rome en 1823 et se rend en italie l'année suivante. A Naples, il a l'idée de ce "jeune pêcheur dansant la tarentelle, son oeuvre la plus populaire,présentée au Salon de 1833.

Vêtu du caleçon et du bonnet caractéristiques, ce jeune garçon inaugure avec le "Pêcheur napolitaine de Rude" un courant pittoresque contraire aux idées de l'Académie des Beaux arts.

La tradition classique veut en effet que le sujet soit choisi dans la mythologie ou l'histoire anciennes et non dans l'imagerie populaire.

Marguerite Blanchon

sur la plage

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Sculpture de Maguerite Blanchon